30 mayo 2011

Víctor Erice - El Espíritu de la colmena (1973)

Castellano | Subs: EN/PT .srt
98 min | X-264 mkv 1280x720 | 2970 kb/s | 192 kb/s AC3 | 24 fps
2,18 GB + 3% de recuperación rar

 Año 1940. Un pueblo perdido en la meseta castellana. Es domingo y llega la camioneta del Cine. En el desvencijado edificio que sirve para todo, se improvisa la proyección. La película: “El doctor Frankenstein”. Durante noventa minutos por las calles solitarias del pueblo resuenan las viejas palabras del mito romántico. En el improvisado salón, entre los espectadores dos niñas: se llaman Isabel (Isabel Tellería) y Ana (Ana Torrent). Siguen atentamente la proyección. Son hermanas. La pequeña, Ana, pregunta a la mayor por qué el monstruo mata y por qué al fin muere. Son las primeras preguntas que Isabel resuelve gracias a su imaginación: el monstruo es un espíritu que puede aparecerse siendo su amigo y convocándolo a través de ciertas palabras. Lo que para Isabel es un juego de la imaginación para Ana acaba siendo una realidad vital. Ella quiere al monstruo. Lo busca. Lo convoca. El viejo caserón donde viven las niñas con sus padres se va llenando de la presencia de algo impalpable que sólo Ana parece profundamente decidida a descubrir... (La Butaca)



The Spirit of the Beehive
Widely regarded as a masterpiece of Spanish cinema, this allegorical tale is set in a remote village in the 1940s. The life in the village is calm and uneventful — an allegory of Spanish life after General Franco's victory in the Spanish Civil War. While their father (Fernando Fernán Gómez) studies bees in his beehive and their mother (Teresa Gimpera) writes letters to a non-existent correspondent, two young girls, Ana (Ana Torrent) and Isabel (Isabel Telleria), go to see James Whale's Frankenstein at a local cinema. Though they can hardly understand the concept, both girls are deeply impressed with the moment when a little girl gives a flower to the monster. Isabel, the older sister, tells Ana that the monster actually exists as a spirit that you can't see unless you know how to approach him. Ana starts wandering around the countryside in search of the kind creature. Instead, she meets an army deserter, who is hiding in a barn. The film received critical accolades for its subtle and masterful use of cinematic language and the expressive performance of the young Ana Torrent.



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Víctor Erice en Arsenevich 

29 mayo 2011

Jean-Luc Godard - Allemagne 90 neuf zéro (1991)

 Francès/French I Subs:Castellano/English
63 min I Xvid 640x480 I 1436 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps
698 MB + 3% recuperación/recovery
Film rodado por el director Godard como respuesta a la televisión francesa, quien le pidió que hiciera una película que tratara sobre la soledad, siendo el resultado final esta cinta. En esta ocasión y una vez más, el director volvió a utilizar el personaje de Lemmy Caution, protagonista de "Alphaville".
El cine es un arte, y la ciencia también es un arte. Es lo que digo en mis Historia(s) del cine. En el siglo XIX, la técnica nació en un sentido operativo y no artístico (no como el movimiento del reloj de un pequeño relojero del Jura, sino de ciento veinte millones de Swatch). Ahora bien, Flaubert cuenta que este nacimiento de la técnica (las telecomunicaciones, los semáforos) es simultáneo a la estupidez, la de Madame Bovary.

La ciencia se ha convertido en cultura, es decir, en otra cosa. El cine, que era un arte popular, dio lugar a la televisión a causa de su popularidad y del desarrollo de la ciencia. La televisión forma parte de la cultura, es decir, del comercio, de la transmisión, no del arte. Lo que los occidentales llamaban arte se ha perdido un poco. Mi hipótesis de trabajo en relación a la historia del cine es que el cine es el último capítulo de la historia del arte de un cierto tipo de civilización indoeuropea. Las otras civilizaciones no han tenido arte (eso no quiere decir que no hayan creado), no tenían esta idea de arte ligada al cristianismo, a un único dios. No es sorprendente que hoy en día se hable tanto de Europa: es porque ha desaparecido, y entonces hace falta crear un ersatz [sustituto], como decían los alemanes durante la guerra. ¡Con lo que nos costó desmembrar el imperio de Carlomagno, y ahora lo rehacemos...! Pero eso no concierne más que a Europa Central; el resto, como Grecia, no existe.
Entonces, el cine es arte para nosotros. Por otra parte, siempre se le discutió a Hollywood que no se comportara como Durand-Ruel o Ambroise Vollard con Cézanne, o como Theo Van Gogh con su hermano. Se le reprochaba tener un punto de vista únicamente comercial, de tipo cultural, y no artístico. Sólo la Nouvelle Vague dijo que el cine americano era arte. Bazin admitía que La sombra de una duda era un buen Hitchcock, pero no Encadenados. En tanto que buen socialdemócrata encontraba abyecto que sobre un argumento tan “idiota” se pudiese hacer una puesta en escena tan maravillosa. Sí, sólo la Nouvelle Vague reconoció que ciertos objetos, con temas que las grandes compañías desvirtuaban, eran arte. Por lo demás, históricamente se sabe que en un momento dado esas grandes compañías, como los grandes señores feudales, tomaron el control sobre los grandes poetas. Como si Francisco I hubiera dicho a Leonardo da Vinci, o Julio II a Miguel Ángel: “¡Pintad el ala del ángel de esta manera y no de otra!”. En cierto modo es la relación que debió haber entre Stroheim y Thalberg.Para mí, el arte es ciencia, o la ciencia es arte. No creo que Picasso sea superior o inferior a Vesalio, son iguales en su deseo. Un doctor que consigue curar una sinusitis pertenece al mismo orden de cosas que si yo logro hacer un buen plano con Maruschka Detmers. No es necesario hacer demasiados libros de ciencia. Einstein escribió tres líneas, no se puede escribir mucho sobre él. Y está bien que no se mezcle el lenguaje en esto. A mí me gusta mucho La naturaleza en la física moderna, donde lo que Heisenberg dice no es lo que ha visto. Hay una gran lucha entre los ojos y el lenguaje. Freud intentó ver eso de otra manera... (Jean-Luc Godard, Ciclo de Cine "El Espejo")
Jean-Luc Godard’s Germany Year 90 Nine Zero – the title being a pun on Roberto Rossellini’s Germany Year Zero (1947) – was made for French television in 1991 and continued his reflexive cinema/video image/sound practice that reached its zenith with Histoire(s) du Cinéma (1989-97). Germany Year 90 Nine Zero can be considered a sort of loose sequel to Godard’s Alphaville (1965). The film follows the adventures of Lemmy Caution (Eddie Constantine), “the last of the secret agents,” as he wanders through a post-Berlin-Wall Germany (from the East to the West) through a landscape littered with history. It is 26 years later, and Lemmy is looking exhausted, vulnerable, as befits the landscape of East Germany. (Sensesofcinema)
"Viviré. Tengo que sacrificarme amando para que haya amor en el mundo." JLG
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-o-
God en Arsenevich
Allemagne 90 neuf zéro (1991)
 Liberté et patrie (2002) (con Anne-Marie Miéville)

27 mayo 2011

Mikio Naruse - Tabi yakusha (1940)

Japonés/Japanese | Subs: Castellano/English
73 min | XviD 640x480 | 1498 kb/s | 128 kb/s mp3 | 25 fps
854 MB + 3% recuperación/recovery
 Actores itinerantes
Encantadora comedia sobre dos actores que interpretan las patas delanteras y traseras de un caballo en una obra de teatro Kabuki, y que sienten que su arte es menospreciado. Cuando el barbero que financia la obra decide sustituirlos por un caballo de verdad, deciden vengarse.

Travelling Actors
Lovely comedy about two actors who play the front and back legs of a horse and feel their artistry is unappreciated. When the self important barber who funds their show decides to replace them with a real horse, they plan to get even.

"One of my personal favorites. The actor who plays the front legs of the horse... sees his role as a serious artform. However, the harder he tries to succeed, the funnier things get for the audience. That's the kind of comedy I wanted to make. " (Mikio Naruse)

English subtitles by Glynford (KG)

"Una de mis película favoritas. El actor que interpreta a las patas delanteras del caballo... ve a su papel como un arte serio. Sin embargo, cuanto más intenta tener éxito, más divertido resulta para el público. Es el tipo de comedia que yo quería hacer. " (Mikio Naruse)

DVD rip de maximer (KG)

Subtítulos en castellano míos


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Mikio Naruse en Arsenevich

26 mayo 2011

Hal Ashby - Harold and Maude (1971)

Inglès/English | Subs:Castellano
88 min | Xvid 672x384 | 1778 kb/s | 448 kb/s AC3 | 25 fps
1,36 GB
Un joven con pulsión de muerte y una vivaracha anciana de 79 años encuentran el amor en esta negra comedia de culto de Hal Ashby.
En su segundo trabajo como director tras su oscarizado éxito como montador, Hal Ashby complementa el guión de Colin Higgins (adaptado por éste de su propio corto estudiantil) con una afectuosa visión sin prejuicios de las conductas estrafalarias y una aversión por las instituciones de la autoridad. En sus hábiles manos, Harold Chasen podrá resultar un tipo raro, pero su madre y su tío, general del ejército, están directamente chalados. La Paramount pareció quedar perpleja sobre cómo promocionar la película, y ésta recibió mordaces críticas y desapareció de la cartelera al poco de su estreno, ya que apenas hubo espectadores que se interesaran por la idea de un joven que deseara a una abuela. Pero, atrapado en su propia revuelta generacional, el público universitario respondió con pasión al mensaje de ir a la tuya sin importar lo que diga la iglesia, el estado o tu mami. Harold y Maude se convirtió en el éxito de culto de los 70: en Minneapolis se mantuvo al parecer en cartel durante tres años seguidos, con fans que afirmaban haberla visto 100 o más veces. Con la cómica creatividad de los suicidios de Harold y un romance en pantalla que definía el concepto de "único", Harold y Maude no fue sólo una sensación de culto, sino también el tipo de producción innovadora e idiosincrásica de principios de los 70 que durante un breve tiempo fue posible gracias a éxitos como Easy Rider (1969) y MASH (1970). Lucia Bozzola (Allmovie)
Black comedies don't come much blacker than this cult favorite from 1972, and they don't come much funnier, either. It seemed that director Hal Ashby was the perfect choice to mine a mother lode of eccentricity from the original script by Colin Higgins, about the unlikely romance between a death-obsessed 19-year-old named Harold (Bud Cort) and a life-loving 79-year-old widow named Maude (Ruth Gordon). They meet at a funeral, and Maude finds something oddly appealing about Harold, urging him to "reach out" and grab life by the lapels as opposed to dwelling morbidly on mortality. Harold grows fond of the old gal--she's a lot more fun than the girls his mother desperately matches him up with--and together they make Harold & Maude one of the sweetest and most unconventional love stories ever made. Much of the earlier humor arises from Harold's outrageous suicide fantasies, played out as a kind of twisted parlor game to mortify his mother, who's grown immune to her strange son's antics. Gradually, however, the film's clever humor shifts to a brighter outlook and finally arrives at a point where Harold is truly happy to be alive. Featuring soundtrack songs by Cat Stevens, this comedy certainly won't appeal to all tastes (it was a box-office flop when first released), but if you're on its quirky wavelength, it might just strike you as one of the funniest movies you've ever seen. --Jeff Shannon



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22 mayo 2011

Gustavo Postiglione - El asadito (2000)

Castellano | No Subtitles
70 min | XviD 512x384 | 1185 kb/s | 192 kb/s mp3 | 23.97 fps
700 MB

El asadito es un film rodado durante las veinte horas que unieron la tarde del 30 de diciembre de 1999 con la madrugada del "último día" del siglo XX. Es la historia de un grupo de amigos que se reúnen en una terraza con el mero propósito de comerse 'un asadito'. Siete personajes masculinos, a los cuales se agregará un octavo (El Turco), protagonistas que bordean los cuarenta años. Entre su patio y terraza transcurrirá este asado que comparten estos amigos.


 El Asadito, es el tercer largometraje del director rosarino, Gustavo Postiglione. Se trata de una pieza más de las que hacen al movimiento del Nuevo Cine Argentino y que supieron iniciar directores como Caetano y Trapero, en la década del noventa. Dándole un corte temático y estético a lo que se venía realizando anteriormente, lo novedoso de éste film es que fue rodada a lo largo de veinticuatro horas sobre los techos de la ciudad santafesina de Rosario.
 
Las costumbres y la idiosincrasia argentina revelan que cuando de juntarse entre amigos se trata, la excusa perfecta siempre es la comida y en este caso, el asado. Además de que no pueden faltar los temas de conversación recurrentes entre los hombres como las mujeres, los autos, el cómic, la política y el fútbol. Por otro lado, la cultura del país en los noventa y la visión de una época de cara al comienzo del tercer milenio convergen en el miedo a lo desconocido, al futuro y todos los mitos sobre lo que sucedería cuando se pasara del 1999 al 2000.
 
El film relata la historia de ocho amigos que deciden pasar desde el mediodía del 30 de diciembre de 1999 hasta al otro día, es decir el 31 de diciembre de ese año en la terraza del videoclub de Tito (Tito Gómez). Allí, entre copas, cubiertos y charlas saldrán a la luz anécdotas y secretos de sus pasados.


 El Asadito explota al máximo los tiempos muertos, tal es así que carece de picos dramáticos y se focaliza en cada una de las conversaciones que harán avanzar al relato y permitirán descifrar la esencia de las motivaciones y perturbaciones de los personajes. Producto quizás de un bajo presupuesto y para mantener una homogeneidad de color en el paso del día a la noche, utiliza, desde principio a fin, el blanco y negro. En cuanto a los planos, predominan los primeros planos, hay un uso no convencional del fuera de campo, movimientos de cámara evidentes, otros en los que la cámara no se queda detenida en ninguno de los rostros y personajes que se descubren a través del vidrio de los sifones y de las botellas. Se percibe, también el empleo de los planos cenitales. Incluso juega a la confusión con uno de los personajes que filma la ocasión con una cámara de video casera.

En lo que respecta al reparto, los actores si bien son profesionales, Postiglione les da libertad y lugar a la improvisación. Durante 71 minutos transcurrirá un día. Se suele decir que el tiempo vuela cuando uno se divierte. Estos amigos se sumergirán en un compacto de anécdotas, recuerdos, asado y pileta de lona que les hará perder la noción de los minutos y de las horas. 
(elartedelaredaccion.blogspot.com) Sinopsis y crítica tomadas de la publicación del Dr. Brown en el Patio de Butacas.

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21 mayo 2011

Alexandru Tatos - Mere rosii (1976)

Rumano | Subs: Castellano/English/French/German (Vosub)
86 min | Xvid 640x480 | 1421 kb/s | 170 kb/s Mp3 | 25 fps
992 MB


COMEDIA/ "Mere rosii" es la opera prima del director Alexandru Tatos, y significó un debut notable en la carrera de este artista rumano. Cuenta la historia de un joven médico que debe luchar contra la estrechez de pensamiento del director general de un hospital. Es una manifestación abierta contra la burocracia, la mediocridad y la corrupción. Un rasgo muy particular es la forma de tratar estos temas: con autenticidad y espontaneidad.


"Mere rosii" is the debut movie of director Alexandru Tatos, and quite a remarkable debut it proved to be. Based on a script by Ion Băieşu (who then used the story as a starting point for a novel, "Balanta", who was made into another great Romanian movie my Lucian Pintilie), the movie tells the story of a young doctor who has to fight the narrow-mindedness of the director-general of the hospital. An open manifest against bureaucracy, mediocrity and corruption, the movie excels at something that wasn't a common place in Romanian cinema of that time: genuineness and spontaneity.


I've seen this film a few times, and I was pleasantly surprised each time by Mircea Diaconu's acting. He plays a young urologist who is assigned to a town hospital with no urology ward, and who keeps bumping into his superiors because of both ethical and medical problems. For those who know the medical system in Romania, it's an acid pamphlet against destruction of young talents as well as a stand against the never-ending corruption plaguing the noblest of professions. It must have been a brave thing to film, not to mention show such a film during the early '80s. The only problem with it is that the story line is not always firm and straight (probably because of concessions the director had to make) - for example, the half-romance between the doctor and the young psychologist. All in all I advise you not to change the channel when it's shown on TV.


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20 mayo 2011

Robert J. Flaherty - Man of Aran (1934)

Inglés/English | Subs: Castellano/English
73 min | XviD 640x480 | 1539 kb/s | 256 kb/s mp3 | 25 fps
945 MB + 3% recuperación/recovery

 El hombre de Aran
Este film es considerado uno de los grandes documentales de ficción de todos los tiempos. Flaherty se basó para ello en la historia de un núcleo familiar concreto para transmitir al espectador la dureza del trabajo en el mar. Su mirada no es etnográfica ni analítica, sino fundamentalmente artística. Así, no plasma la vida cotidiana de esos hombres y mujeres, sino una lucha épica entre el hombre y el mar. Por otro lado, las islas Aran tenían en ese momento, como siguen todavía en parte teniendo, una veta de primitivismo, de lo que queda de un tiempo más duro pero quizás también más puro. De ahí la fascinación que su filme ejerció en un Occidente cada vez más industralizado.

Nonfiction filmmaking pioneer Robert Flaherty's first sound feature elaborates on themes presented in his two previous major works, Nanook of the North and Moana. In all four of his major features, including Louisiana Story, Flaherty explored the relationship of man to his natural environment. This film was shot between 1931 and 1933 on the Aran Islands, west of Ireland's Galway Bay. Flaherty's screen "family" was actually composed of three unrelated islanders chosen for their photogenic appeal: Colman "Tiger" King is the title character, a no-nonsense fisherman, Maggie Dirrane plays his wife, and Michael Dillane his young son. Flaherty is more interested in recording the natural beauty of the islands, which are largely rock, and the surrounding sea than in presenting any formal information on the lives of the islanders. Life here is as elemental as it was for the Eskimos in Nanook and the South Seas islanders in Moana. Though the film came under fire from some critics at the time of its release for not presenting the social conditions that hampered the lives of the islanders -- many of them renting from absentee landlords indifferent to their economic well-being -- it has come to be accepted as work of film poetry rather than a social document.

Cierto es que el deseo de Flaherty por hacer un producto comercial conllevó trampas para el espectador, como el elegir a los personajes por su fotogenia y no por ser una familia real de Aran, o la recreación de ciertas escenas como la espectacular caza del tiburón, etc. En este sentido, los aportes etnográficos como tales son reducidos: difícilmente podemos conocer a través de esta película cómo era la vida real de los hombres y mujeres de Aran en los años treinta, más allá de datos genéricos como su dedicación a la pesca o el tipo de ropa que por entonces vestían y los aparejos que empleaban.

No obstante, Man of Aran tiene la virtud de hacernos sentir la épica de la lucha diaria de los individuos para ganarse el sustento, haciendo que sintamos atracción por su fuerza y su modo de vida. (tomado de sobreirlanda.com)


DVD rip de odietamo (KG)

Subtítulos en castellano míos


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16 mayo 2011

Mikio Naruse - Inazuma (1952)

Japonés/Japanese | Subs: Castellano/English
97 min | XviD 720x544 | 2048 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery
 El relámpago
Kiyoko y su familia viven en el shitamachi o distrito central de Tokio. Tiene 23 años, es cobradora de autobús, pero anhela llegar a algo más en la vida. Su modelo es Katsuura, una inquilina que vive en su casa y que lee, pinta y escucha sus propios discos. Pero la situación familiar de Kiyoko es complicada. Su madre ha tenido cuatro hijos, tres hijas y un hijo, de cuatro padres distintos. Kiyoko es la hija menor y es presionada por sus hermanastros para que se case con un panadero adinerado. Cuando el marido de una de sus hermanastras muere dejando una gran cantidad de dinero en un seguro de vida, comienza una dura pelea por el dinero.

DVD rip de icedlemonade (KG)

Subtítulos en castellano de firpo
Lightning
Inazuma is one of the many Fumiko Hayashi’s novels adapted by Mikio Naruse to the big screen.  In the lead role we have Naruse regular, the superb, graceful actress Hideko Takamine as Kiyoko, the youngest of four siblings, all with different fathers.  Kiyoko is a strong-minded girl who, after seeing the misfortunes of her mother and sisters, doubts that marriage really means happiness for a woman.  Her elder sister, Nuiko, wants her to marry a frivolous bakery owner, Tsunakichi, which Kiyoko adamantly refuses to comply.  Her second sister, Mitsuko, is a traditional woman who quietly suffers whatever lies ahead of her.  She has a hard time when her husband suddenly dies, leaving behind a large sum of insurance settlement that everyone wants a share of, and an illegitimate child that her husband had with another woman.  Her brother, Kasuke, is a jobless man who spends most of his time on Pachinko machines.  Kiyoko wants to leave all problems behind and start a new life on her own, so she rents a flat outside, where she meets Shuzo and Tsubomi, a pair of brother/sister who lives merrily together.

English subtitles by icedlemonade

 “Es cierto que la buena reputación de Meshi me ayudó a salir de la mala racha en la que me encontraba metido. ¿Por qué me empeñé después con tenacidad en seguir adaptando obras de Fumiko Hayashi? Pensaba que mi camino como realizador me acercaba a su literatura y porque en cualquier caso creía que aprendería mucho si seguía trabajando con sus obras” (Mikio Naruse).


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Mikio Naruse en Arsenevich

15 mayo 2011

Jean Cocteau - La Belle et la Bête (1946)

Francès/French | Subs:Castellano/Inglès
93 min | Xvid 640x480 | 1460 kb/s | 192 kb/s AC3 mono/192 kb/s AC3 stereo* | 23,97 fps
1,23 GB + 3%
Bella, hija de un armador de buques, se ofrece como rehén a La Bestia para liberar a su padre, que ha caído en poder del monstruo. Poco a poco, Bella va venciendo el terror que La Bestia le produce y un sentimiento de conmiseración nace en ella.
El cuento de hadas de Mme. Leprince de Beaumont, centrado en el triunfo del amor sobre lo material y de la belleza interna sobre la externa, no pudo encontrar mejor expresión cinematográfica que en esta obra del poeta y cineasta francés Jean Cocteau, quien nos regala con su obra más popular y conseguida, un festín sensorial henchido de ecléctica imaginería, inspirada por diversas influencias plásticas, como por ejemplo Gustave Doré. Esta imaginería, filtrada por la mirada lírica del polifacético artista galo, convierte esta encantadora historia en una mágica comunión entre realidad y fantasía.
Los brazos que sujetan los candelabros, las manos surgiendo de las mesas para servir el vino, los rostros pétreos de ojos brillantes, escrutando los movimientos amedrentados de los visitantes o la impactante e imitada caracterización de la Bestia, son recursos visuales indelebles para un título colmado de un refinado hálito romántico, protagonizado por un monstruo cautivador, que nos hace experimentar cierto pesar en su trasmutación en apuesto príncipe, ya que jamás volveremos a disfrutar con su magnética y singular presencia.
Espléndida música de George Auric e inolvidables interpretaciones de Jean Marais, amante en la vida real de Cocteau, y de la hermosa Josette Day, pareja inmemorial para un título imprescindible del cine fantástico europeo. El cine es sueño, como bien dijo Edgar Morin, y el espectador un viajero fantástico dispuesto a descubrir nuevos mundos, visitar países en los que nunca podrá estar o lugares mágicos que sólo viven en la imaginación. De eso se trata el gran invento del cinematógrafo: de grabar los sueños en una pantalla y proyectarlos en una enorme sala, a oscuras, ante un público dispuesto a dejarse llevar por la magia del cineasta. Todo ello es lo que convierte en una obra maestra a "La bella y la bestia" del francés Jean Cocteau, una de las obras más hipnóticas de la historia del cine.Las intenciones del director quedan suficientemente claras con los rótulos de inicio, en los cuales el propio Cocteau firma unas líneas en las que pide la colaboración del espectador para que se convierta en un niño, que crea y se deje llevar por la ilusión de la magia y de la infancia.Hay una doble intención en ese canto a la inocencia. Por una parte, el deseo de recapturar el misterio, cruel y maravilloso a un tiempo, de la imaginación infantil. Por otra, la nostalgia de un mundo ingenuo, perdido definitivamente tras los horrores de la Guerra Mundial. La Francia ocupada por Hitler es la bella muchacha encerrada en el castillo; la bestia que le acosa es Alemania; y la rosa, la juventud sacrificada en flor. En ambas lecturas, la infantil y la bélica, el filme funciona como un gigantesco símbolo del amor y la belleza, de la amistad entre dos seres opuestos, de la redención del uno por la generosidad del otro. Y eso es algo que un niño entiende mejor que un adulto.
Para contar esta historia, Cocteau necesitó adaptar la trama en algunos puntos. Con todo, la principal aportación de Cocteau a la historia es el personaje de Avenant, interpretado por Jean Marias, quien actúa también como la Bestia y el Príncipe. Avenant, que en francés significa atractivo, es un hermoso joven, amigo de la familia, que está enamorado de Bella. A sus continuas propuestas de matrimonio ella responde siempre con evasivas, pues su padre y su familia la necesitan en casa. Al final, la apariencia afable de Avenant desaparece y deja al descubierto su alma egoísta; por el contrario, la muchacha descubre el alma noble y generosa de Bestia bajo su fea apariencia. La introducción de este personaje refuerza el contenido de la fábula y cierra la historia con un desenlace más sugerente: al tiempo que Avenant fallece, víctima de su codicia, la bestia renace por el amor de Bella; y mientras aquel pierde su hermosura, éste la recupera tras años de negro hechizo. Esa transformación de ambos (de Avenant en bestia, y de Bestia en atractivo), con intercambio de máscaras e identidades, se presta a un hábil juego de conceptos opuestos (fealdad-hermosura, realidad-apariencia) que condensa la síntesis temática del relato: la verdadera belleza e identidad de una persona está en su interior, en su alma.
Realizada en duras condiciones, por la penuria de la Guerra Mundial, la película fue producto de la enorme fe que Cocteau puso en ella. Enfermaron, uno tras otro, los actores principales; y Cocteau, que también enfermó pero que nunca guardó cama, tuvo que alterar casi a diario el inicial calendario de rodaje para evitar su cancelación definitiva.
Comienza La Bella y la Bestia desde el artificio: Es el propio Cocteau quien, tiza en ristre y sobre un encerado de pizarra, va garabateando los títulos de crédito, con la complicidad de sus actores. Despues, claqueta y acción, y nuevamente la voz del director detiene el "rodaje" para insertar un texto, lírica invitación a abandonar la realidad, a dejar salir al niño interior, a embelesarnos por el cuento y su magia.
Esta premisa es fundamental para entender las intenciones poéticas y estilizadas de esta película, una de las más bellas puertas a lo maravilloso que he tenido oportunidad de ver en pantalla (o para el caso la tele). Todo en la Bella y la Bestia ronda esta suspensión de realidad, este estado de ensueño y duermevela tan afín a la querencia surrealista de Cocteau, autor total, renacentista, tan director como poeta, pintor, músico o escenógrafo, pero que en este film encuentra el vehículo que aúne en una todas las artes.
La fotografía, la maravillosa y onírica escenografía, la dirección de actores, la música...todo invita a cruzar el espejo, y en verdad que La Bella y la Bestia te obliga a hacerlo, a asombrarte y a empaparte de la sencilla moraleja del film, el tópico de la belleza interior. (Cine Clàsico)

 *Ici scaliste. Esta versión de reposición incluye una segunda
banda de sonido con la opera homónima de Philip Glass,
que sigue la acción del film cuadro por cuadro. O sea, dos
películas por el precio de una. (El futuro de Arsenevich incluye gangas) 


This is definitely not the Disney version. While it remains faithful to the plot of the classic fairy tale by Leprince de Beaumont, Jean Cocteau's 1946 French romantic fantasy is the product of a sophisticated, mature sensibility in its tones and textures and, above all, in its surprising emotional power. With sparkling black-and-white imagery that, for once, is actually dreamlike rather than cute or kitschy, and with a Beast (Jean Marais) who is almost as glamorous with his silky blonde facial hair as he is clean shaven, the movie casts a seductive spell. It might actually be a little too rich and unsettling for kids. Even the costumes and the draperies are entrancingly ornate. Viewers intoxicated by this enveloping vision should consider moving on to Cocteau's even more aggressively other-worldly 1949 masterpiece Orpheus, in which Marais plays the doomed poet of ancient Greek legend, updated to a Parisian "punk" milieu of motorcycles and black leather. --David Chute
"Lo que vulgarmente se conoce como cine, sólo se presentaba hasta la fecha bajo la forma de un pretexto para reflexionar. Uno entraba, miraba (poco), escuchaba (poco), salía y se olvidaba. Sin embargo, yo considero que el cinematógrafo es un arma muy poderosa para la proyección del pensamiento, incluso ante una muchedumbre reticente." Jean Cocteau
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Jean Cocteau en Arsenevich
Les Parents Terribles
Orphèe